Von Küste zu Küste, 8 Must

Um sich jeden Monat die besten Galerieausstellungen in den Vereinigten Staaten anzusehen, reiste die Galerie von New York nach Kalifornien, um die besten Ausstellungen für Januar zusammenzustellen. Von Rico Gatsons transformativen Abstraktionen, die sich in der Miles McEnery Gallery in New York mit Rassenfragen befassen, bis hin zu den aufstrebenden saudischen Künstlern Alia Ahmad, die in der Kohn Gallery in Los Angeles trostlose Wüstenszenen in üppige Landschaftsgemälde verwandeln, sind dies die amerikanischen Einzelausstellungen, die wir an der Spitze haben unserer Besichtigungsliste.

Rico Gatson, Cicely, 2022. Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Miles McEnery Gallery, New York

1. Rico Gatson in der Miles McEnery Gallery, New York

Rico Gatson, Absolvent des Yale MFA im Jahr 1991, beschäftigt sich seit 30 Jahren aktiv mit der Herstellung und Ausstellung von Arbeiten in einer Vielzahl von Medien – darunter Video, Skulptur, Malerei und Collage. Weithin bekannt für seine „Icon“-Collagenserie zum Gedenken an schwarze Kulturleuchttürme, die derzeit als riesige Mosaikwandgemälde eine U-Bahnstation in der Bronx zieren, präsentiert Gatson in „Spectral Visions“ neue abstrakte Gemälde, die Geschichte, Rasse und Macht anhand geometrischer Symbole und leuchtender Farben erforschen .“

Großformatige Gemälde auf Holz nehmen Flaggen der Konföderierten, Klansmen-Kapuzen, Zielscheiben und Schlüssellöcher als Ausgangspunkt für scharfkantige Abstraktionen mit grafischen Streifen, Kreisen und Dreiecken, die in einer lebendigen, pulsierenden Palette dynamisch wiedergegeben – und oft geschichtet – werden. Glitzernder Glitzer lenkt die Aufmerksamkeit auf ausgewählte Bereiche mit schwarzer Farbe, als ob er die angedeuteten Themen des Rassenverbrechens hervorheben wollte. Der Künstler zieht es vor, seine Bilder in einer objektivierten Form zu halten und malt auf vorgefertigte Holztüren (denken Sie an Portale, die zu einem besseren Ort führen) oder Holzbretter, wie in seinem vielgemusterten Werk Untitled (Seven Panels). Die kraftvollen Panels werden weiter unten in der Galerie angezeigt, wo auch mehrere neue „Icon“-Bilder, darunter Cicely und Sidney, zu sehen sind.

Ryan Sullivan, Ohne Titel, 2022. Foto: Ron Amstutz. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und 125 Newbury

2. Ryan Sullivan, 125 Newbury, New York

Die zweite Ausstellung im Projektraum 125 Newbury des Pace-Gründers Arne Glimcher, der nach der Adresse der ersten Galerie benannt ist, die er 1960 in der Newbury Street in Boston eröffnete, zeigt neue abstrakte Gemälde von Ryan Sullivan. Als Glimcher zum ersten Mal Fotos der Gemälde sah, dachte er, dass es sich um Werke des Abstrakten Expressionismus handeln könnte, aber er spürte etwas anderes. Indem er seine Bilder durch die Suspension von Pigmenten in Harz anfertigt, aktualisiert Sullivan das berühmte Ab Ex-Verfahren und stellt es gleichzeitig auf den Kopf. Sullivans improvisatorische Gesten werden verdeckt auf dem Boden angelegt (das Gegenteil von Pollocks Arbeitsweise) und werden erst sichtbar, wenn das Harz ausgehärtet ist und das Gemälde aus seiner formdefinierenden Form entfernt wird.

In Anlehnung an Techniken aus der Bildhauerei stellt Sullivan eine rechteckige Gummiform her, bepinselt den Boden mit reinen Pigmenten, gießt Harz in Industriequalität hinein, fügt weitere Pigmente und Harz hinzu und fixiert dann den Malvorgang für immer in der transparenten Masse. Sullivan malt den Vordergrund vor dem Hintergrund, ohne dass Änderungen möglich sind. Als Max Ernst über seine berühmten Frottage-Gemälde sprach, die aus Abrieb rauer Holzböden entstanden, sagte er, er habe das Gefühl, Zeuge der Entstehung seines eigenen Werks zu sein, und genau das ist Sullivan hier. Als Betrachter könnte man erwarten, tatsächlich Farbe auf der Oberfläche der sechs Gemälde ohne Titel in der Ausstellung zu finden, aber diese Gemälde haben keine Oberfläche. Stattdessen ist die gesamte Handlung im Inneren gefangen, als wäre sie in ständiger Bewegung. Die innere Form hat ein Volumen, das die Vorstellung dessen, was ein Gemälde unserer Meinung nach sein sollte, auf wunderbare Weise vereitelt – und es so zu einem Anblick macht, den man sich nicht entgehen lassen sollte.

Bis 28. Januar

Vincent Fecteau, Ohne Titel, 2022. Foto: © Vincent Fecteau. Mit freundlicher Genehmigung der Matthew Marks Gallery, New York und Los Angeles

3. Vincent Fecteau in der Matthew Marks Gallery, New York

Vincent Fecteau, Empfänger des „Genius Grant“-Stipendiums der MacArthur Foundation im Jahr 2016, ist ein in New York geborener und in San Francisco lebender Künstler, der Skulpturen aus Pappmaché herstellt. In seiner Arbeit steckt jedoch mehr, als diese Beschreibung vermuten lässt. Seine bescheidenen, polymorphen Objekte ähneln architektonischen Modellen für extravagante modernistische Häuser oder – wie ein Kritiker schrieb – brutalistischen Puppenhäusern und entwickeln sich im Laufe ihres Baus stark weiter. Über seine Skulpturen sagte der Künstler: „Ich beginne mit einer Form, ich ändere diese Form, ich ändere sie noch einmal, ich ändere sie noch einmal, ich ändere sie noch einmal.“ Wenn Ihnen das seltsam bekannt vorkommt, liegt es vielleicht daran, dass es der oft zitierten Maxime von Jasper Johns ähnelt: „Nehmen Sie einen Gegenstand.“ Tun Sie etwas dagegen. Mach etwas anderes damit.“

Dennoch ist das Ergebnis von Fecteaus Herumtüfteln an seinen sich ständig verändernden Formen brillant. Die Herstellung seiner mehrdeutigen Formen dauert Monate (angeblich arbeitet er an mehreren Stücken gleichzeitig, während er sie vermisst, formt und schattiert), und sie werden von Hand aus Pappmaché, Epoxidton, Gips, Holz, Käsetuch, Schnur und Acrylfarbe konstruiert. Die Dutzend Skulpturen, die auf Sockeln im weitläufigen Raum der Galerie aufgestellt sind, sehen aus umkreisenden Blickwinkeln überraschend anders aus (was absolut Sinn macht, wenn man erfährt, dass der Künstler jahrelang als Florist gearbeitet hat). Großartig und doch bescheiden verwandeln sich Fecteaus auffallend geformte Stücke auf wunderbare Weise von hybriden Skulpturen zu hybriden Gemälden, die von einem Meister beider Medien auf geniale Weise geschaffen wurden.

Bis 28. Januar

Peter Saul, GI mit Maschinen, 1965. Privatsammlung. Foto: © 2022 PeterSaul / Artists Rights Society (ARS), New York. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Venus Over Manhattan, New York

4.Peter Saul bei Venus Over Manhattan, New York

Als der 88-jährige Künstler Peter Saul Mitte der 1950er Jahre seinen Abschluss an der Washington University in St. Louis machte, packte er seine Sachen und machte sich direkt auf den Weg nach Europa; Doch das Glück, das ihn dort erwartete, würde den Vorläufer der Pop-Art schließlich in Amerika zum Superstar machen. Als er 1960 in Paris lebte, wurde er durch den chilenischen Modernisten Roberto Matta, den Saul nie getroffen hatte, dem er aber einige Zeichnungen geschickt hatte, dem Kunsthändler Allan Frumkin vorgestellt. Als Matta Saul ein Treffen mit Frumkin vorschlug, zeigte der Künstler dem Händler seine Werke, die er kaufte und die nächsten 37 Jahre lang weiter erwarb und ausstellte. Nach seiner Rückkehr nach Amerika lehrte Saul fast 20 Jahre lang an der University of Texas, bevor er sich schließlich in New York niederließ und neues Interesse an seiner Arbeit entdeckte.

Mit der wachsenden Zahl von Museums- und internationalen Galerieausstellungen in den letzten 15 Jahren ist auch die Faszination für das bahnbrechende Werk des Künstlers gewachsen. Seine Ausstellung „Frühe Arbeiten auf Papier (1957-1965)“ zeigt 47 farbenfrohe Arbeiten auf Papier, die seinen Erfindungsreichtum in diesen prägenden Jahren beleuchten. Er übernahm die Sprache des Abstrakten Expressionismus und fügte Alltagsgegenstände hinzu, um sie in etwas zu verwandeln, das bald zur Pop Art werden sollte. Saul schuf Pastelle und Collagen mit Zeichentrickfiguren, Konsumgütern, Sex, Soldaten, Gewalt und der Polizei und kommentierte respektlos die Anliegen des Tages, die nun in der gesamten Galerie ausgestellt sind, wo der Betrachter sie neu erleben kann.

Bis 21. Januar

Laurie Simmons, Farbbilder/Deep Photos (Walt/Two Women), 2007–2022. Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und 56 Henry, New York

5. Laurie Simmons, 56 Henry, New York

Laurie Simmons wurde für ihre traumhaften Fotos von Puppenhausfiguren, Bauchrednerpuppen, lebensgroßen Liebespuppen und alltäglichen Gegenständen auf Beinen gefeiert und ist seit den späten 1970er Jahren eine feste Größe in der New Yorker Kunstszene. Als Mitglied der postmodernen Kunstbewegung „Pictures Generation“, in der sich Künstler Bilder und Stile aus Filmen, Zeitschriften und anderen Medienquellen aneigneten, verwendet Simmons seit langem Ersatzfiguren in ihren Fotos und Filmen, um geschickt Kommentare zu Geschlecht, Häuslichkeit, Tourismus, Liebe, Mode und Design.

Ihre Ausstellung „Color Pictures/Deep Photos 2007–2022“ berührt all diese Themen und stellt eine Gruppe von Bildern mit Frauen von Amateurpornoseiten neu vor, die sie 15 Jahre zuvor gemacht hat. Simmons posierte die ausgeschnittenen Pornofiguren in inszenierten Settings, zu denen geeignete Objekte und Szenen in Kombination mit Puppenhausmöbeln gehörten, und fotografierte die Tableaus, verwandelte sie jedoch nie in endgültige Drucke. Als der Künstler die Bilder letztes Jahr noch einmal aufgriff, druckte er sie in kleinem Maßstab, setzte sie in tiefe Rahmen, übergoss die Bilder mit klarem Harz und fügte neue Elemente hinzu, um sie noch seltsamer zu machen. Ihre oft bösen und manchmal komischen Bilder zeigen männliche Cameo-Auftritte von Kunst- und Unterhaltungsikonen – mit Salvador Dali, Willem de Kooning, Andy Kaufman und Walt Disney bei der Arbeit und in der Freizeit, neben einer zuvorkommenden Besetzung von Femme Fatales in Papierpuppengröße.

Bis 15. Januar

Shahzia Sikander, Promiscuous Intimacies, 2020. Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Sean Kelly, New York und Los Angeles

6. Shahzia Sikander bei Sean Kelly, Los Angeles

Shahzia Sikander, eine weitere Stipendiatin der MacArthur Foundation (die 2006 das großzügige Genie-Stipendium erhielt), mischt in ihren detaillierten Aquarellen, Wandgemälden, Mosaiken, Skulpturen und Animationsfilmen die Kunst der südasiatischen Miniaturmalerei mit zeitgenössischen westlichen Formen und Stilen. Sie wurde am National College of Arts in Lahore, Pakistan, als Miniaturistin ausgebildet, bevor sie moderne und zeitgenössische Kunst an der Rhode Island School of Design studierte. In ihren spannenden Arbeiten erforscht sie Geschlechterrollen und Sexualität, koloniale und postkoloniale Geschichten, kulturelle Identität und Rassennarrative durch die akribische Verschmelzung traditioneller Motive und zeitgenössischer Bilder.

Für ihre erste Einzelausstellung in Los Angeles bietet die Ausstellung „Radiant Dissonance“ einen Überblick über die Arbeitsweise der Künstlerin in all ihren Medien. Die Besucher werden von der schwebenden Installation Epistrophe begrüßt, die aus aufeinanderfolgenden Schichten von Transparentpapierstücken besteht, die mit gemalten Mustern, Symbolen und Punkten bedeckt sind und ihre abstrakten und figurativen Motive vermischen. Drei beeindruckende Mosaike erweitern die mystische Natur von Miniaturgemälden auf einen größeren Maßstab, während ein dazugehöriger Animationsfilm die Erzählweise der Miniatur mit Bewegung und Ton neu inszeniert. Sikanders einzige Skulptur in der Ausstellung stellt ihren ersten Ausflug in die Arbeit mit Bronze in „Promiscuous Intimacies“ vor, das die Venusfigur aus Bronzinos Gemälde „Eine Allegorie mit Venus und Amor“ eng mit einer indischen Devata-Figur aus der Sammlung des Metropolitan Museum of Art verbindet – eine kraftvolle Stück, das Ost und West für die Ewigkeit verbindet.

Bis 7. Januar

Erik Parker, Nice Try, 2022 Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

8. Erik Parker bei Over the Influence, Los Angeles

Als visionärer Künstler, inspiriert vom MAD-Magazin, Underground-Comics, Graffiti, Hip-Hop, Dub und Verschwörungstheorien sowie der Kunst der Chicago Imagists, Francis Bacon und Peter Saul, fertigt Erik Parker fantastische Gemälde und Zeichnungen biomorpher Karten an. verdrehte Köpfe, humorvolle Hieroglyphen, surreale Stillleben und bizarre Landschaften, die sowohl psychologische als auch psychedelische Bereiche auf exquisite Weise ausnutzen. Nachdem er bei Saul an der University of Texas studiert hatte, zog er Ende der 1990er Jahre nach New York, erwarb einen MFA von SUNY Purchase und machte sich bald auf den Weg, mit einer ausgelassenen Einzelausstellung, die ironischerweise den Titel „Thiswhiteboysteals“ trug, in Leo Koenigs angesagter Innenstadt Galerie.

Die „Good Luck“-Ausstellung des in Brooklyn ansässigen Künstlers, der seit 2000 weltweit in großen Museen und herausragenden Galerien ausstellt, ist seine 40. Einzelpräsentation, was zeigt, dass das Glück zweifellos auf seiner Seite war. Die Ausstellung ist nach einem seiner bahnbrechenden Hieroglyphen-Pyramidenbilder betitelt und bietet einen Blick auf seine arbeitsintensiven Kompositionen und erfinderischen Stile – von Tondos mit komplexen Porträts und totemistischen Brettern mit visuellem Schnickschnack bis hin zu lysergischen tropischen Landschaften à la Henri Rousseau . Als poetischer Freestyler stiehlt Parker seinen Slang aus Medien- und Musikquellen, während er das Internet, Anzeigen und soziale Medien für seine hyper-bildlichen Bilder durchforstet.

Bis 15. Januar

Alia Ahmad, Hameel – Morning Rain, 2022 Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Kohn Gallery, Los Angeles

7. Alia Ahmad in der Kohn Gallery, Los Angeles

Bei ihrem amerikanischen Ausstellungsdebüt, ihrer dritten Einzelpräsentation seit ihrem Masterabschluss im Jahr 2020 am Royal College of Art in London, bringt die saudische Malerin Alia Ahmad die üppigen Wüstenlandschaften aus ihrem Atelier in Riad in die Galerie in Los Angeles ihre Einzelausstellung „من الحلم .. . روضة (Eine Wiese … aus einem Traum).“ Die 26-jährige Künstlerin verbindet ihre natürliche Umgebung in Saudi-Arabien mit einer lebhaften Fantasie und verwandelt in einer Reihe großformatiger, abstrakter Leinwände eine trostlose Wüstenumgebung in entzückende Traumlandschaften.

Beginnend mit Kohlezeichnungen von Orten, die sie besucht, und Skizzen vor Ort, malt Ahmad die natürlichen Landschaftsszenen mit einer unnatürlichen Farbpalette. Indem sie ihre Pinselstriche sichtbar hält, möchte sie, dass der Betrachter sieht, wie das Gemälde entsteht – um das Auge des Betrachters in Bewegung zu halten, während sich ihre Vision entfaltet. Inspiriert von der visuellen Fließfähigkeit japanischer Ukiyo-e-Gemälde und -Drucke sowie von Wüstengeschichten, die von Familie und Freunden erzählt werden, konstruiert sie durch eine Flut von Markierungen und ein Kaleidoskop aus Farben eine neue Sicht auf die Region – eine Vision, die zu den aufregenden Veränderungen passt Ihr Land sieht weiterhin.

Bis 14. Januar

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