Die Grammys

Fotos: Miikka Skaffari/WireImage; Marcus Ingram/Getty Images; Gary Miller/Getty Images; Tim Mosenfelder/Getty Images; Patrick O'Brien Smith; Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

Liste

Jazz, Psychedelic Rock, Ambient und mehr durchdringen die Arbeit von Künstlern wie Kassa Overall und Decuma. Lernen Sie anlässlich des 50. Geburtstags des Hip-Hop die Künstler kennen, die die vielfältigen Klänge des Genres weiter vorantreiben.

DJ Kool Herc experimentierte mit Soul-Gesang und Drum-Breaks, als er den heutigen Break-Beat erfand – genau das Element, das am 11. August 1973 das Genre hervorbrachte.

Hip-Hop wurde buchstäblich aus einem Sample aufgebaut. Und in den Jahrzehnten seitdem ist das Genre von denselben Allesfresser-Instinkten gediehen, oft sogar so weit, dass selbst die Begriffe „Rap“ und „Hip-Hop“ nicht präzise genug erscheinen, um die Innovation und schiere Vielfalt des Genres zu beschreiben. (Fünf Jahre bevor Kanye West Rap zum neuen Rock'n'Roll erklärte, um seine Popularität zu beschreiben, war der Rapper Open Mike Eagle aus Los Angeles nicht einmal damit zufrieden, dass das Wort "Indie" an seine Hip-Hop-Marke angeheftet wurde: "Das ist Meiner Meinung nach ist der Begriff zu pauschal, um ihn wirklich auf das anzuwenden, was ich zu tun versuche.")

Während Hip-Hop 50 Jahre alt wird, zeigen die Künstler hinter einigen seiner aufregendsten Veröffentlichungen, dass die Grenzen des Genres mehr denn je durchlässig sind – und dass das Überschreiten von Grenzen in seiner DNA liegt.

„Ich kann nicht behaupten, dass ich bei der Genremischung besonders methodisch vorgehe. … Meine Emotionen steigen einfach in mir auf und strömen in der Form heraus, die mein Gehirn entscheidet“, sagte Decuma einmal. Der Rapper und Produzent war bescheiden.

„Let's Play Pretend“ aus dem Jahr 2023 bietet die bestmögliche Erklärung für seine Mischung aus Hip-Hop, Ambient und experimentellen Genres, als wäre er von Xiu Er rappt im vierten Titel „Basketball“.

Durch diese Genremischung drückt Decuma mit bewundernswerter Präzision das Trauma aus, das aus körperlicher, sexueller und rassistischer Gewalt resultiert. Es unterstreicht auch Texte wie „Ich bin so allein mit meinen Geheimnissen, und deshalb habe ich sie mit diesem verdammten Stofftiger geteilt, nur damit jemand es hören kann.“ Wie es sich anfühlte, seiner Unschuld beraubt zu werden, könnte nicht deutlicher ausgedrückt werden.

Im September wird Decuma ein neues Album mit dem Titel „Feeding the World Serpent“ veröffentlichen.

Während sie 2023 ihr Album-Art-Studium abbrach, schuf Jamee Cornelia einen nachvollziehbaren, modernen Soundtrack zum Gig-Economy-Lebensstil. Bei „Campus Radio“ gibt Cornelia kurz vor, sie sei eine College-Radio-Discjockeyin. Mit ihrer besten Late-Night-FM-Stimme neckt sie ein Interview mit dem vielversprechendsten Musiker ihrer Schule, in dem es darum geht, „wie es ist, ein Vollzeitstudent, ein Kassierer mit Mindestlohn und ein Tourmusiker zu sein“.

Anstatt jedoch nur ihre Worte zu verwenden, nutzt Cornelia ihren vielfältigen künstlerischen Hintergrund – etwa als sie Videofilmerin für ihr Skate-Team war, bis „Odd Future passierte und alle meine Freunde Rapper wurden“ –, um darzustellen, wie es sich anfühlt, diese vielfältigen Hektik unter einen Hut zu bringen. Manchmal kann sich die Arbeit in der Gig Economy wie eine „Routine“ anfühlen, bei der das Schreiben von To-Do-Listen für die Woche und den Monat so einfach gelingt, wie sie in die Tasche passt. Manchmal ist es genauso zermürbend und kathartisch wie „Rock!“, wo knackige Hardrock-Gitarren auf Club-Gesänge im Three 6 Mafia-Stil treffen.

In Klang und Substanz schafft Cornelia geschickt eine Welt, in der es sich für nötig hält, jeden noch so kleinen Job (oder eigentlich jedes Genre) anzunehmen.

Der GRAMMY-nominierte Bandleader, Schlagzeuger, Produzent und Rapper hat bereits darüber gesprochen, dass Jazz und Rap eine umfassendere Geschichte der schwarzen Musik in Amerika bieten als sie einzeln. Er hat auch erklärt, warum es in unserer modernen Zeit sinnvoll ist, Rap-Sensibilitäten in die Jazzmusik einzuführen.

„Jemand wie Louis Armstrong oder Dizzy Gillespie – ein Drittel von ihnen war die Energie von Lil B und Danny Brown.“ „Deshalb war es Feuer und Flamme“, sagte er im Mai zu GRAMMY.com. Aber sein neuestes Album „Animals“ zeigt auch, wie die Beziehung zwischen Jazz und Rap für beide Seiten von Vorteil sein kann.

Auf „Ready to Ball“ sind Kassas ironische Gedanken über die Musikindustrie („Ich brauche einen Vertrag mit ein paar Reißverschlüssen und einer vollen Quinte / nur um auf der Kanzel die Wahrheit zu sagen / dass das alles nur Bullen sind …“) eine Grundlage Kraft, inmitten eines suchenden Klaviers und hüpfender Percussion. Diese wenigen Sekunden wirken lehrreich und zeigen, dass Rap nicht immer ordentliche Loops aus der Improvisationsnatur des Jazz machen muss, um zu gedeihen.

Vor „Let's Start Here.“ hat die zweifache GRAMMY-Nominierte Lil Yachty bereits die Grenzen des Hip-Hop überschritten. Während er sich selbst zum „König der Teenager“ erklärte, war die Einstellung des tatsächlichen Teenagers zum Rap zunächst respektlos, was dazu beitrug, dass die SoundCloud-Generation ein leichtes Ziel für Klassiker wurde. Erst nach seinem Debütalbum „Teenage Emotions“ aus dem Jahr 2017 beschäftigte sich Yachty damit, einen guten Ruf innerhalb des Genres zu schaffen – sei es durch Hommagen in Mixtape-Länge an den Hip-Hop des Mittleren Westens oder durch Schreiben und Produzieren für City Girls, Drake und 21 Savage.

Doch laut Kevin „Coach K“ Lee, Mitbegründer von Lil Yachtys Label Quality Control, fangen wir hier an. ist das Album, das Yachty schon immer machen wollte: eine psychedelische Rock-Coming-of-Age-Reise, inspiriert von Pink Floyds „Dark Side of the Moon“ und unter anderem mit Hilfe von Chairlift, Mac DeMarco und Unknown Mortal Orchestra. „Er wollte dieses Album vom ersten Tag an machen, an dem wir ihn unter Vertrag genommen haben. Aber wissen Sie – als Hip-Hop-Künstler muss man das Spiel spielen“, sagte Coach K gegenüber Billboard.

Questlove sagte, er habe 24 Stunden gebraucht, um Yachtys „Abflugprotokoll“ zu bearbeiten. Aber die Erklärung, nach der der Roots-Bandleader suchte, findet sich im Outro von „WE SAW THE SUN!“, in dem Yachty den Maler Bob Ross probiert. „Lassen Sie Ihrer Fantasie einfach freien Lauf“, sagt Ross. „Lass dich von deinem Herzen leiten.“

Anfang der 2010er Jahre musste McKinley Dixon mit einer Live-Band auftreten, um Bühnenzeit zu bekommen. Andernfalls würden seine Auftritte gekürzt, weil Musikveranstaltungsorte davon ausgingen, dass „Rapper nicht als so interessant angesehen werden, es sei denn, sie haben eine Band“, sagt Dixon.

Heutzutage ist die Einbeziehung von Live-Instrumenten und die Inspiration aus anderen Genres jedoch ein wichtiger Teil von McKinleys kreativem Prozess und wie er seinem Geschichtenerzählen Ernsthaftigkeit verleiht: „Meine Musik besteht darin, dass ich Death Note schaue, während die Red Hot Chili Peppers darüber spielen“, sagt er sagte PAPIER.

Unterdessen präsentiert Dixon in „Sun, I Rise“ eine wandernde Harfe, die über das üppige Jazz-Rap-Arrangement des Liedes schlendert. „OG hat mir auf den Hinterkopf geschlagen / sagte: ‚Hör auf, herumzufummeln / Du fällst nur, wenn du denkst, du bist schlauer als die anderen / schießt dich nieder.‘“, rappt Dixon. Dies unterstreicht die bevorstehende Reise in seinem neuen Album Beloved!, Paradise! Jazz!?, eine Untersuchung darüber, wie schwarze Jungen inmitten von Kräften erwachsen werden, die sie anflehen, noch schneller erwachsen zu werden.

Vor sieben Jahren, gerade als Prinzessin Nokia sich gerade als Hip-Hop-Künstlerin etablierte, hatte sie genreübergreifende Visionen für ihre Kunst, die sogar Alexis Petridis, Chefkritiker für Rock und Pop im The Guardian, verblüffte. „Ich werde gerne GG Allin der Hip-Hop-Welt sein“, sagte sie und bezog sich dabei auf den größten degenerierten Punk, den es je gab.

Die Musikanspielungen in ihrem neuesten Album „I love you but this is goodbye“ aus dem Jahr 2023 sind bei weitem nicht so aufsehenerregend. Aber da das Album allein in den ersten drei Titeln von Pop-Punk („Closure“) zu Jungle („Complicated“) und Cyberpop („The Fool“) wechselt, bleibt die Erweiterung der Hip-Hop-Grenzen die Art und Weise, wie Prinzessin Nokia ihre Autonomie zelebriert . Diesmal nicht nur als Künstlerin, sondern auch als reife Frau, die lernt, dass eine romantische Beziehung niemals dazu gedacht ist, sie zu vervollständigen. Sogar „Happy“, eine R&B-Rap-Reminiszenz aus den 90ern, bringt diesen Punkt zum Ausdruck, indem sie in ihrem Hook „Clint Eastwood“ von Gorillaz interpoliert: „I'm useless, but not for long / the Future is Coming On.“

Hören Sie sich die Playlist zum 50-jährigen Jubiläum des Hip-Hop von GRAMMY.com an: 50 Songs, die die Entwicklung des Genres zeigen

Foto: Al Pereira/Michael Ochs Archives/Getty Images

Liste

Hip-Hop und Jazz sind zwei Zweige der schwarzen amerikanischen Musik; Ihre Essenzen waren schon immer miteinander verflochten. Hier sind 10 Alben, die das beweisen.

Kassa Overall hat es satt, über die Verbindungen zwischen Jazz und Rap zu sprechen. Er musste es tun, als er seine letzten beiden Alben veröffentlichte, und er muss es bei seinem neuesten Album noch einmal tun.

„Sie passen natürlich zusammen“, sagte er einmal. „Sie stammen vom selben Baum ab, was ihre Herkunft betrifft, nämlich die schwarze Musik in Amerika. Man muss sie nicht übermäßig vermischen. Das passt schon zusammen.“

Erweitern Sie dies nach außen, und es gilt für alle schwarze amerikanische Musik; Es ist nicht weit hergeholt, Gospel und Blues, Soul und R&B miteinander zu verbinden. Dementsprechend enthalten Jazz und Rap weitgehend die gleiche DNA – von ihrer rhythmischen Komplexität über ihre improvisatorische Komponente bis hin zur Betonung der Persönlichkeit des Interpreten.

Ob im Sampling, im rhythmischen Rückgrat oder in vielen anderen Facetten, Jazz und Rap waren schon immer sympathisch; Schauen Sie sich einfach dieses Video der Gesangsgruppe Jubilaries aus den 40er und 50er Jahren an, das als „erster Rap-Song“ angepriesen wird und derzeit auf TikTok die Runde macht. Und wie Overall gegenüber GRAMMY.com betont, hatten sogar Jazzgrößen wie Louis Armstrong oder Dizzy Gillespie „Lil B- und Danny Brown-Energie“.

Von „A Tribe Called Quest to the Roots“ bis hin zu Kendrick Lamar ist die Rap-Geschichte reich an Klassikern, die die Sprachen zweier schwarzer amerikanischer Kunstformen miteinander verbinden. Hier sind 10 davon.

Der Katalog der mit einem GRAMMY ausgezeichneten Long-Island-Legende De La Soul ist endlich im Stream verfügbar; Jetzt ist der perfekte Zeitpunkt, diese zentralen Schnittpunkte des Jazz-Rap noch einmal zu betrachten.

Mit Samples von Johnny Cash über Hall und Oates bis hin zu den Turtles ist ihr verspieltes, schillerndes, psychedelisches Debüt von 1989, 3 Feet High and Rising, das perfekte Portal zu dem, was Robert Christgau als „radikal anders als jeder Rap, den Sie oder irgendjemand sonst jemals hatten“ bezeichnete gehört,"

„3 Feet High and Rising“ rangiert regelmäßig auf den Listen der besten Hip-Hop-Alben aller Zeiten. Im Jahr 2010 wurde es von der Library of Congress in das National Recording Registry aufgenommen.

Wenn man die herausragendsten Jazz-Rap-Acts auflistet, stehen die vierfach GRAMMY-Nominierten A Tribe Called Quest ganz oben auf der Liste. Ihre unvergesslichen Melodien; komplizierter, genreübergreifender Ansatz; und afrozentrischer POV brachten sie an die Spitze des Jazz-Rap.

Es gibt mehrere würdige Einstiege in die legendäre Diskographie von Q-Tip, Phife Dawg, Ali Shaheed Muhammad und Jarobi White, wie „Midnight Marauders“ von 1993 und „Beats, Rhymes and Life“ von 1996.

Doch ihr 1991 erschienenes Album The Low End Theory war eine Konsolidierung und ein Wendepunkt. Von „Buggin‘ Out“ über „Check the „Rhime“ bis hin zu „Scenario“ – mit Busta Rhymes, Charlie Brown und Dinco D – The Low End Theory enthält die Essenz der lebendigen, erfinderischen Persönlichkeit von Tribe.

Außerdem haben sie nicht umsonst den dreifachen GRAMMY-Gewinner Ron Carter für die Rolle in „The Low End Theory“ engagiert; Er ist der am häufigsten aufgenommene Jazzbassist der Geschichte.

Kanada wird von Dream Warriors vertreten, deren Album „And Now the Legacy Begins“ einen Meilenstein für alternativen Hip-Hop darstellte.

Beim Debüt von King Lou und Capital Q aus dem Jahr 1991 verzichtete man auf die Haltung eines harten Kerls und setzte stattdessen auf starke Fantasie und verspielten Witz. Christgau brachte es mit seiner Charakterisierung wieder einmal auf den Punkt: „Westindisches Gänseblümchen-Zeitalter aus dem Boogie-down-Toronto.“

Die Single „My Definition of a Boombastic Jazz Style“ enthält ein Sample von „Soul Bossa Nova“ des 28-fachen GRAMMY-Gewinners Quincy Jones – der neben all den anderen Bestandteilen seines Erbes einer der besten Arrangeure des Jazz ist. Die Melodie wurde später zum Titelsong der Austin Powers; Auch in dieser Hinsicht waren Dream Warriors ihrer Zeit voraus.

Die gesamte schwarze amerikanische Musik war für den Produzenten J-Swift ein faires Spiel; Auf dem Pharcyde-Klassiker-Debüt Bizarre Ride II the Pharcyde sampelte er Jazzer wie Donald Byrd und Roy Ayers neben Marvin Gaye, Jimi Hendrix, Sly and the Family Stone und anderen. Über diese Musikbetten spucken Fatlip, SlimKid 3, Imani und Bootie Brown komödiantische Bars voller blauem Humor.

„Ich bin so schlau, dass sie mich „Grease“ nennen müssen/ Weil ich ausrutsche und rutsche, wenn ich auf dem Biest fahre“, rappt Imani in „Oh S—“ in einem repräsentativen Moment. „Imani und deine Mutter sitzen auf einem Baum / KISS (ING).“

Alles in allem ist das verrückte, ansteckende Bizarre Ride II the Pharcyde ein zentraler Eintrag im Jazz-Rap-Pantheon. Ein Rezensent brachte es auf den Punkt: „[Es] bestätigt jedes positive Stereotyp, das Sie jemals über Hip-Hop gehört haben, und sprengt gleichzeitig jeden negativen Mythos.“

Ishmael Butler von Digable Planets bezeichnete die vorherrschenden Jazz-Samples auf ihrem Debüt einmal als solche: „Ich habe einfach die Platten geholt, die ich um mich herum hatte“, sagte er. „Und viele davon waren von meinem Vater … das war jede Menge Jazz.“ Es passt wie angegossen zu Digable Planets.

„Rebirth of Slick (Cool Like Dat)“ enthält mehrere Elemente von „Stretching“ von Art Blakey und den Jazz Messengers; „Escapism (Gettin‘ Free“) enthält die Melodie von Herbie Hancocks „Watermelon Man“ und „It's Good to Be Here“ ist eine Kostprobe von Grant Greens „Samba de Orpheus“. Während „Reachin‘“ propagieren Butler, Craig Irving und Mary Ann Viera die Befreiung der Schwarzen eine Vielzahl von Formen.

Pitchfork brachte es auf den Punkt, als es erklärte: „​​Reachin‘ ist ein Album über die Freiheit – von Konventionen, von Unterdrückung, von den durch das Raum-Zeit-Kontinuum auferlegten Grenzen.“

Im Reich von Gang Starr verschmelzen spirituelles Bewusstsein und Straßenpoesie. Angesichts der Tatsache, dass Jazz in beiden Konzepten eine Rolle spielt, ist dies eine natürliche Zutat für die beste Arbeit von DJ Premier und Guru.

Eines ihrer ersten Meisterwerke, Daily Operation, vereint einige der größten Köpfe des Jazz in seinen Grooves. „The Place Where We Dwell“ ist eine Kostprobe von „Fun“ des Cannonball Adderley Quintetts; „II BS“ von Charles Mingus ist auf „I'm the Man“ zu hören; „Ghetto Child“ des verstorbenen Klaviermagiers Ahmad Jamals taucht in „The Illest Brother“ auf.

Im Laufe ihrer Karriere haben DJ Premier und Guru ihre entspannte Chemie immer weiter verfeinert; Jazz-Elemente verleihen ihrer Musik einen natürlichen Schwung und Schwung. (Ihre musikalische Partnerschaft dauert bis heute an; Gang Starr veröffentlicht noch in dieser Woche Musik.)

Die geniale Mischung aus Live-Instrumentierung und bewussten Bars brachte die dreifachen GRAMMY-Gewinner The Roots über ihre Rolle als Hausband in „The Tonight Show Starring Jimmy Fallon“ weit über alle „Jazz-Rap“-Gespräche hinaus in die Mainstream-Kultur.

Elemente des limbischen, kantigen Jazz finden sich in ihrer gesamten Diskographie, aber ihr Major-Label-Debüt Do You Want More?!!!??! könnte der effektivste Einstieg in ihre Mischung aus Jazz und Rap sein. („Silent Treatment“ zeigt eine echte Jazzsängerin als Gast, Cassandra Wilson.)

Ob das plätschernde „Distortion to Static“, das Jazz-Fusion-artige „I Remain Calm“ oder das umwerfende „Essaywhuman?!!!??!“ – wagen Sie sich in die Diskographie der Roots; Sie sind ein Zentrum so vieler Spezies schwarzer amerikanischer Musik.

Was Jazz-Rap-Verbindungen betrifft, ist Madlibs Shades of Blue eines der pointiertesten und direktesten.

Darin plündert er den Tresorraum von Blue Note Records und remixt Koryphäen von Wayne Shorter („Footprints“) über Bobby Hutcherson („Montara“) bis hin zu Ronnie Foster („Mystic Brew“, später „Mystic Bounce“). Im Medley „Peace/Dolphin Dance“ treffen die Titelwerke von Horace Silver und Herbie Hencock im Äther aufeinander.

An anderer Stelle bietet Shades of Blue neue Interpretationen von Blue-Note-Klassikern durch Madlibs fiktive Ensembles Yesterday's New Quintet, Morgan Adams Quartet Plus Two, Sound Direction und Joe McDuphrey Experience – allesamt nur Madlib, die jedes Instrument spielt.

In den letzten Jahren hat Blue Note eine Reihe inspirierter Neuverpflichtungen hervorgebracht – einige Veteranen, einige Neulinge. Durch diese Linse bietet Shades of Blue einen kaleidoskopischen Blick auf die Vergangenheit des sagenumwobenen Jazz-Archivs und ebnet gleichzeitig den Weg für seine Zukunft.

Lamars bahnbrechendes drittes Album enthielt einen mächtigen Querschnitt der innovativsten Jazzmusiker seiner Zeit, von Robert Glasper bis Kamasi Washington.

Während Hip-Hop seit Jahrzehnten eine direkte Verbindung zum Jazz hat – wie frühere Einträge auf dieser Liste belegen –, hat Lamar ihn in dieser Reihe wimmelnder, ehrgeiziger Songs über schwarze Kultur, psychische Gesundheit und institutionellen Rassismus für das 21. Jahrhundert gefestigt und kodifiziert.

„Kendrick erreichte mit seinem Rap ein bestimmtes Niveau, das es ihm ermöglichte, sich wie ein Hornist zu bewegen“, sagte Overall im Jahr 2020 zu Tidal. Und zu Lamars gegenwärtigen und zukünftigen Jazz-Rap-Mischungen fügt Overall hinzu: „Er hat die Schleusen kreativer Möglichkeiten geöffnet.“ "

Die brillanten Stücke von Overall waren von Anfang an dabei, aber nie hat er sie so mitreißend kombiniert wie auf „Animals“ – wo sich Jazzmusiker wie die Pianisten Kris Davis und Vijay Iyer mit Rappern wie Danny Brown und Lil B treffen.

„Ich möchte lieber, dass die Leute meine Musik hören und nicht denken, dass es sich um eine Jazz-Rap-Collage handelt“, sagte Overall einmal zu GRAMMY.com. „Was ist, wenn Sie es mit nichts anderem in Verbindung bringen? Wie klingt es für Sie?“

Wenn es um die Gonzo-Kollaboration von Danny Brown und Wiki „Clock Ticking“, das von Theo Croker unterstützte „The Lava is Calm“ und den inspirierten Zusammenbruch von „Going Up“ mit Lil B, Shabazz Palaces und Francis & the Lights geht – Diese Musik klingt wie nichts anderes.

Im Laufe der Jahrzehnte haben schwarze amerikanische Musiker Jazz und Rap zu einem Wirbelsturm aus Innovation, Herz und Brillanz verwirbelt – und den Iterationen, die er annehmen kann, sind scheinbar keine Grenzen gesetzt.

„Kassa Overall bricht mit neuen Maßstäben und lässt sich auf dem neuen Album Animals mit Absurdität auseinandersetzen“

Foto: Patrick O'Brien Smith

Interview

Kassa Overall wurde aufgrund einer reduzierenden Erzählgleichung bekannt: „Jazz plus Rap plus mentale Gesundheit sind gleich mir.“ Auf seinem neuen Album „ANIMALS“ fragt der nicht klassifizierbare Künstler die Zuhörer einfach: „Wie klingt es für Sie?“

Kassa Overall hält sein Telefon hoch und verdreht die Augen.

Er spielt das Intro zu seinem Track „Going Up“ mit Lil B, Shabazz Palaces und Francis and the Lights, der an diesem Tag veröffentlicht wurde. Ein Cello-Dröhn weicht einem seltsamen Holzschnitt-Part; Ein zerhacktes Schlagzeugsolo zerreißt alles – dann ist es, als würde Ableton einfrieren. Flankiert von Synthesizern und Sequenzern verharrt Overall auf seinem Stuhl, als würde er in ein schwarzes Loch gesaugt.

„Kennen Sie den Teil, in dem Neo aus der Matrix geworfen wird?“ Der GRAMMY-nominierte Rapper, Schlagzeuger und Produzent erzählt GRAMMY.com über Zoom. „Es ist so, aber wenn man ausgespuckt wird, dann landet man tatsächlich im afrikanischen Busch.“

Insgesamt hat es lange gedauert, bis dieses 20-sekündige Intro richtig war, aber es ist einer seiner Lieblingsmomente auf seinem neuen Album ANIMALS – das am 26. Mai bei Overalls neuem Zuhause, Warp Records, erschien.

Das Gespräch hat sich dem Konzept der Absurdität zugewandt – einer hilfreichen Linse, um Overalls Kunst zu betrachten. Es ist mit Sicherheit besser als das, was ihn in der Vergangenheit gelähmt hat, als er ein Interview nach dem anderen über die Schnittstelle von Jazz und Rap führte – und als Zugabe noch seine psychische Gesundheit.

„Ich habe jetzt schon seit zwei Alben darüber gesprochen“, sagte er 2021 mit einem Anflug von Erschöpfung zu GRAMMY.com. „Ich habe diesen Zyklus in meinem Kopf durchlaufen lassen. Es geht mir nicht mehr so ​​sehr darum, zu beweisen, dass diese Dinge zusammenpassen können. Ich möchte einfach nur die dämlichsten Sachen machen.“

Die Freude an ANIMALS liegt nicht in dieser Genre-Verschmelzung, sondern in der wachsenden Kühnheit und Lebendigkeit von Overall als Künstler – sowie in der neuartigen Verschmelzung scheinbar unterschiedlicher Mitarbeiter. Versuchen Sie, eine andere Platte zu finden, auf der Sie die Jazz-nahen Pianisten Vijay Iyer und Kris Davis neben einzigartigen Rappern wie Danny Brown und Lil B finden.

„Der Grund dafür, dass sich die Jazzwelt ein wenig trocken und dämlich anfühlt, liegt darin, dass es nicht wirklich Platz für Absurdität gibt“, sagt Overall. „Jemand wie Louis Armstrong oder Dizzy Gillespie – ein Drittel von ihnen war die Energie von Lil B und Danny Brown. Deshalb war es Feuer.“

Mit ANIMALS zeigte sich Overall dem energiegeladenen Anlass gewachsen. Das Album beschäftigt sich mit Themen wie seinem unsicheren Verhältnis zu seinem Ehrgeiz und seinem Verhältnis zu seinem wachsenden Publikum. Auf Titeln wie der Lead-Single „Ready to Ball“, dem von Nick Hakim und Theo Croker gesungenen „Make My Way Back Home“ und dem von Vijay Iyer unterstützten „The Score Was Made“ hat Overall mehr Fisch zu braten – als wo Rap ob es etwas mit Jazz zu tun hat oder nicht.

Lesen Sie weiter für ein Interview mit Overall über seine neuesten Karriereschritte, wie er sich über müde Narrative hinwegsetzt und Kollaborateure als Instrumente einsetzt – ganz wie ein gewisser umkämpfter Rap-Innovator.

Dieses Interview wurde aus Gründen der Klarheit bearbeitet.

Ich möchte zunächst über Ihre SHADES-Mixtape-Trilogie aus der Pandemie-Ära sprechen. Welche Bedeutung hatte die Erfahrung bei der Erstellung dieser Mixtapes für Ihre kreative Reise?

Eigentlich habe ich gestern erst über die SHADES-Serie nachgedacht. Ich habe darüber nachgedacht, wie man das macht, anstatt eine Soloplatte zu machen, und mir wurde klar, dass sie tatsächlich viel stärker miteinander verbunden sind, als die Leute vielleicht denken.

Wenn ich meine eigene Musik mache, ist der Prozess immer noch das Zerhacken von Samples – egal, ob ich Originalmusik zerhacke oder etwas Nirvana, verstehst du, was ich meine? Oftmals enthält meine Originalmusik Collagen aus anderen Quellen.

Bei der SHADES-Sache ging es mir so, als würde ich mich tatsächlich mit der Beispielpraxis befassen. Mir fehlte die Idee, ein paar Dinge zu nehmen und sie umzudrehen. Das hat also wirklich viel Spaß gemacht.

Ich denke, SHADES 3, der dritte Teil der Trilogie, war eine Art Neuausrichtung für mich, weil ich angefangen habe, tatsächlich Drum-Machines zu verwenden. Die Serie begann damit, dass mehr von mir auf dem Laptop saßen, in COVID eingesperrt waren und dies und jenes zerhackten. Für dieses Mal hatte ich ein richtiges Studio hinter mir.

Der Lockdown ist vorbei, daher stecke ich nicht mehr so ​​sehr in den Kopfhörern. Wenn Sie sich also SHADES 3 anhören, sind es mehr House-Tracks und so. Für mich war es einfach ein gutes Experiment. Obwohl ich Beats gemacht und Sample-Sequenzen verwendet habe, habe ich mich nie wirklich mit Step-Sequenzen und solchen Drum-Machines beschäftigt.

Da bin ich ein Neuling; Ich bin ganz neu darin. Das hat also viel Spaß gemacht.

Als ich Sie das letzte Mal interviewte, schienen Sie zu versuchen, aus der reduzierenden Erzählung rund um Ihre Musik herauszukommen. Bei TIERE beschäftigen Sie sich mit wichtigeren Themen. Wo stehen Sie in Ihrer Karriere im Hinblick auf öffentliche Nachrichten und Ihren Vertrag bei Warp?

Vielen Dank, dass Sie zuerst darauf hingewiesen haben, denn so muss ich Dinge nicht wiederholen, die ich nicht mehr wiederholen möchte.

Um noch einmal zusammenzufassen, was Sie sagen: Historisch gesehen sind Jazz und Rap oft gleich kitschig. Ich wollte nie kitschig sein, und ich glaube nicht, dass ich jemals kitschig war. Es sind einfach die Dinge, die ich sage – wo ich herkomme. Es geht nicht so sehr darum, dass ich das tun werde.

Und dann ist die psychische Gesundheit eher so, dass ich es mir einfach angewöhnt habe, über mein Leben zu sprechen. Wie bei jedem Schriftsteller auch: Sie könnten jahrelang Schriftsteller sein, aber es könnte Jahre dauern, bis Sie sich wohl fühlen, über Ihre Perspektive und Ihre Ideen zu sprechen. Wenn ich nur über die Dinge spreche, die mich sehr betreffen, muss das ein Teil davon sein. Man kann nicht anders darüber reden, aber es war eher so, dass ich darüber hinwegkommen möchte.

Ich denke, dass die Veröffentlichung des Albums auf Warp eine Art Botschaft an sich ist, weil ich diese Musik gemacht habe, die ich nicht für so seltsam halte. Meine Musik ist im Vergleich zu Aphex Twin oder Squarepusher nicht seltsam, verstehst du, was ich meine?

Es ist eine neue Interpretation von Elektronik und organischen Stoffen, wissen Sie, was ich meine? Es ist einzigartig, aber nicht so seltsam. Ich bin in der Branche aufgewachsen, in der ich aufgewachsen bin. Also versuche ich, in Jazzclubs gebucht zu werden und auf Jazzfestivals zu spielen, und sie sehen mich an wie: „Nicht unter meinem Banner!“

Wenn man sich den State of Jazz oder verschiedene Playlists auf den verschiedenen Streaming-Plattformen anhört, klingen sie ganz anders als zu der Zeit, als ich angefangen habe, Musik zu veröffentlichen. Die Leute sagten: „Whoa, was ist das? Ist das dein Pop-Produkt? Das ist dein Pop-Album, oder? Wie läuft es mit deinem Pop?“

Das haben meine Kumpel immer gesagt – meine Jazzfreunde. „Er spielt gut – er ist ein toller Schlagzeuger, aber er hat auch diesen Pop-Sound – den hat er.“

Ihre Arbeit ähnelt keiner Popmusik, die ich je gehört habe.

Nein, nein, aber es gibt eine Art Drumcomputer. Es gibt ein Klatschen, das nicht organisch ist. Es gibt Gesang. [Lacht.] Es ist Pop!

Das erste Mal fiel es mir auf, als ich einen Gastmix für die BBC machte, der von Tom Ravenscroft kam. Durch Bandcamp kam er auf das Album aufmerksam; Er hatte keine Ahnung, wer ich bin oder was ich bin.

So fing ich sogar an, die SHADES-Sachen zu machen – als ich die Gelegenheit bekam, Gastmixe zu machen, machte ich Remixe, um es irgendwie zu verdoppeln. Es ist wie eine doppelte Wortpartitur von „Yo, er macht ein paar ganz andere Sachen.“

Also sagten sie: „Produzent Kassa Overall macht einen Gastmix.“ Und mir ist aufgefallen, dass es die Art und Weise ist, wie man etwas präsentiert; Die Leute hören es anders. Wenn ich als Jazz-Schlagzeuger ein Album vorlege, dann sind es ein paar Pops – wo ich versuche zu singen oder so.

Aber wenn es dann als Produzentensache präsentiert wird, sagen die Leute automatisch: „Oh, das ist elektronische Musik. Das ist cool. Wir wissen, wo wir das hinstellen sollen.“

Meine größten Einflüsse sind einzigartige Künstler – einzigartige Menschen, die Dinge geschaffen haben, die irgendwie zu ihrem eigenen Genre gehören, sei es Thom Yorke, Radiohead, Björk. Sogar Kanye; Irgendwann wurde die gesamte Idee umbenannt. Zum Beispiel: „Ich bin Produzent – ​​nein, ich bin Rapper!“ „Du hast ein Gangsterimage!“ „Nein, ich trage Röhrenjeans und ein rosa Polo!“

Dann sogar jemand wie John Coltrane, jemand wie Bob Marley – offensichtlich sind das die größten Künstler auf ihrem Gebiet, aber es sind auch Leute, bei denen man vorher nicht wirklich wusste, was auch immer sie machen ist irgendwie reingekommen.

Deshalb wäre es mir lieber, wenn die Leute meine Musik hören und nicht denken, dass es sich um eine Jazz-Rap-Collage handelt. Was ist, wenn Sie es mit nichts anderem in Verbindung bringen? Wie klingt es für Sie?

Die Sache mit dem letzten Album mit Brownswood [Recordings, 2020 I THINK I'M GOOD]: Ich dachte: „Bro, so viele Songs, die ich mache, dass ihr alle darüber nachdenkt, B-Seiten zu sein, würden daneben gut funktionieren.“ eine Platte von Frank Ocean oder James Blake.

Vielleicht ist es etwas zu poppig für Brownswoods Publikum, aber f- Brownswoods Publikum, wissen Sie, was ich meine? Aber es gibt hier eine Million Menschen, die nicht einmal wissen, was ein Nord oder ein Rhodes ist, und sie scheißen auf das, was ich mache.

Ich denke, das ist die Frustration, mit der ich zu kämpfen hatte. Ich bin nur ein Typ, der Lieder über mein Leben schreibt. Das ist alles.

Kassa-Overall. Foto: Patrick O'Brien Smith

War es ein schwieriger Prozess, nach Brownswood ein Haus zu finden, das Ihren Vorstellungen entspricht?

Nein, es war sehr einfach. Und ruft Brownswood zu; Ich sage nicht „F – Brownswood.“ Das sind die Homies. [Labelgründer] Gilles Peterson ist immer noch ein großer Unterstützer meiner Arbeit. Ich sage nur mehr, mein Image und mein Branding – wenn man den Eindruck erwecken will, dass ich dieser organische Afro-Bop-Typ bin, wird sich das nicht wirklich verkaufen. Mein Sohn ist viel zu traurig.

Jemand von Warp hat mich nach der Veröffentlichung von I THINK I'M GOOD angesprochen und mich gebeten, ein paar Beats für Danny Brown zu machen. Eigentlich fragten sie mich, ob ich ein paar Beats hätte. Ich sagte: „Bro, gib mir zwei Wochen“ und machte drei Beats für Danny Brown; Er hat zwei davon ausgewählt.

Und dann kam derselbe A&R zurück und sagte: „Yo, ich denke, du solltest ein paar andere Tracks auf dem Album anfassen und das ganze Album raushauen.“ Also habe ich alle möglichen kleinen Trommeln und Gesangseinlagen hinzugefügt – verschiedene Dinge, um meiner kleinen Struktur Struktur zu verleihen.

Am Ende habe ich an insgesamt vier Stücken für Dannys nächste Platte gearbeitet – und eine davon komplett produziert, nämlich eine der Singles, aber es klingt wie eine Art Kass-Sache. So begann diese Beziehung und wir tauschen regelmäßig Musik aus.

Als ich mich darauf vorbereitete, meine nächste Platte zu kaufen, dachte ich mir: „Willst du das machen?“ und [Warp] war wie „Verdammt, ja.“

Ich hätte woanders unterschreiben und mehr Geld bekommen können, aber das Branding wäre das gleiche „Was ist das?“ Art von Sache. Ich denke, Warp hat die Geschichte der elektronischen Musik, und sie haben jetzt Künstler dort – es erzählt auf gute Weise eine Geschichte darüber, was ich mache. Ich passe in das Ding.

Du bist in der Jazzszene aufgewachsen und deine Einstellung zu Ehrgeiz lastet schwer auf ANIMALS. Was ist es an dieser Welt, das sich für einen extrem wettbewerbsorientierten, aufstrebenden Geist eignet?

Ich denke, es ist die Verdrängung einer kulturellen Heimat. Ich verstehe, wovon Sie sprechen – Jazz, Selbsthilfe, Motivation. Es gibt dort so viele Verbindungskabel, und ich bin an allem schuld.

Als Jazzmusiker muss man lernen, wie man übt. Ich werde den ganzen Tag üben, und die Auftritte stehen vor der Tür, und du bist kurz davor, Affirmationen zu machen, und dann sitzt du bei Smalls. Es ist nicht so, dass ein Arzt zur Schule geht und sich dann bewirbt, und es ist ein tatsächlicher, sichtbarer Track. Die Sache mit der Musik ist völlig aus der Luft gegriffen.

Wenn man Selbsthilfe als eine eigene Marke und Branche betrachtet, sind viele Jazzmusiker anfällig für diese Art von Rhetorik. Denn es ist so, als wäre diese Person riesig, diese Person hat nichts und sie sind fast gleich talentiert. Einer von ihnen reibt sich den Arsch ab; der andere trinkt.

Die andere Sache – das könnte etwas düsterer sein, eine Schattensache – ist eine Sache, die mit Jazz an den Colleges passiert ist. Sobald Jazz zum akademischen Ding geworden ist, ist das die Studentenbranche. Das bedeutet, dass sich Jazzmusiker an Studenten wenden, um sich zu ernähren.

Das ist nicht wirklich die Kultur der Musik. Die Musik ist nicht wirklich „Rise-and-Grind“. In der Kultur geht es nicht einmal um Erfolg. Leute wie Jimmy Heath sagten mir gegenüber: Es sei nicht beliebt.

Es ist jetzt beliebt, oder es sieht so aus. „A Love Supreme“ ist doch ein riesiges Ding, oder? Aber wenn man sich Elvin Jones-Interviews und so anhört, spricht er davon, in diesen Clubs zu spielen, und dort sind ungefähr sechs Leute. Vier von ihnen sind Kellner, und die Leute haben nicht versucht, diesen Lärm zu hören.

Die Idee dahinter ist, dass man sich für eine Musik entscheidet, die nicht unbedingt auf Massenanklang ausgelegt ist, sondern deren Motivation darin besteht, Massenanklang zu finden. Es ist eine Art widersprüchliche Richtung. Das heißt nicht, dass es nicht funktionieren kann; Es gibt viele Leute, die dafür sorgen, dass es funktioniert.

Aber wir sind alle ein bisschen am Arsch. Es ist vielleicht nicht nur eine Sache von Jazzmusikern, und es ist vielleicht nicht nur eine Sache von Musikern, aber wir sind alle irgendwie an diesem Ort der Arbeit, Arbeit, Arbeit, Arbeit, Arbeit, Arbeit, Arbeit, Arbeit und wer arbeitet die meisten Siege.

Ich möchte nicht so leben und befinde mich manchmal in dieser Situation. Ich denke: Irgendwann muss etwas nachgeben. Es soll eher eine spirituelle Sache sein – eine Praxis.

Kassa-Overall. Foto: Patrick O'Brien Smith

Sie haben Kanye erwähnt; Ich liebe die Art und Weise, wie er bei Donda offenbar Mitarbeiter als Instrumente nutzte. Ich habe das gleiche Gefühl von ANIMALS.

It's funny you say this. When I started working on this record — we're talking about 2019, even, some of these joints — I always pick a couple of albums to compete with. That's kind of one of my secrets. The last record was https://www.grammy.com/artists/calvin-broadus/14274">[Snoop Dogg's] Doggystyle and https://www.grammy.com/artists/2pac/7233">[2Pac's] All Eyez on Me. Und diese Platte war Dark Twisted Fantasy.

Ich habe in Interviews nicht so viel gesagt, weil ich nicht sagen möchte: „Kassa Overall lässt ein Album fallen, das Kanye gewidmet ist!“ [Lacht heftig] Aber er hatte einen großen Einfluss auf meinen Prozess.

Du hast diese langatmigen Songs. Es ist ein Beat mit offenem Ende. Und wie viele Minuten [in Dark Twisted Fantasy] auch sein mögen, Rick Ross kommt herein. Oder Sie haben Paul McCartney, der an der Melodie arbeitet. Das war die Inspiration dahinter. Wenn Sie sich viele der Klänge genau anhören, werden Sie hören: Oh, das steht im Zusammenhang mit diesem Produktionsprozess.

Ein Musiker wie Kris Davis zum Beispiel. Ein absoluter Spinner. Du setzt dich hin und sprichst mit ihr – so stoisch. Wer sie ist, ist an sich schon eine Anomalie. Und dann ist die Musik, die sie macht, so einzigartig.

Jemand wie sie würde niemals mit Danny Brown in Berührung kommen, der ebenso seltsam ist. Sogar nur seine Stimme; er war ein Spinner in seiner Welt. Er wurde bei G-Unit unter Vertrag genommen. Er wuchs in Detroit auf, in der Nähe von Street-Rap, aber als er dort auftauchte, brach er damit aus und widmete sich mehr den seltsamen Mythen seiner Kunst. Er ist auf seinem Gebiet ein Herausragender.

Ich betrachte diese beiden Künstler als Menschen, die tatsächlich mehr gemeinsam haben, als man denkt. Sie sind ähnlich, weil sie in ihren jeweiligen Räumen sehr unterschiedlich sind. Ich denke, dass die Welt, in der Danny Brown lebt, mit Kris Davis besser ist. Und ich denke, dass die Welt, in der Kris Davis und Vijay Iyer leben, mit Lil B besser ist.

10 aufstrebende Jazzkünstler, die man im Auge behalten sollte: Simon Moullier, Mali Obomsawin, Julieta Eugenio, Jeremy Dutton und mehr

Mary Lou Williams

Grafikhaus/Archivfotos/Getty Images

Nachricht

Der Jazz Appreciation Month geht zwar zu Ende, aber die Zuhörer können diese Energie in den Rest des Jahres einbringen – einen Monat, in dem die Musik unsere Unterstützung mehr denn je braucht

Es ist Internationaler Tag des Jazz, aber viele seiner größten Musiker haben seit mehr als einem Jahr nicht mehr gearbeitet. Jazz Instagram ist eine Fülle verkaufter Zoom-Meisterkurse. Viele der beliebtesten und unersetzlichsten physischen Räume sind verschwunden – möglicherweise für immer.

Was ist die Antwort, um mehr Zuhörer an Bord zu holen? Vielleicht geht es darum, es weniger zu einer Geschichtsstunde zu machen – und zu vermitteln, dass Sie Charlie Parker neben Ihrem Lieblings-Rock-, Rap- oder R&B-Song hören können. Sie benötigen keine Akkreditierung. Sie benötigen keinen Hochschulabschluss. Sie müssen kein Handbuch lesen. Es hört sich einfach gut an.

GRAMMY.com schließt den Jazz Appreciation Month mit einer Playlist mit 40 Titeln für den Rest des Jahres 2021 ab. Sie soll nicht im Entferntesten umfassend sein; Wie könnte eine Playlist ohne Duke Ellington, Charles Mingus, Billie Holiday, Count Basie, Louis Armstrong oder das Art Ensemble of Chicago sein? Das Ignorieren von Zeit und Raum zugunsten eines (hoffentlich) ununterbrochenen Genusses ist einfach das Produkt eines ununterbrochenen Gedankengangs.

Schauen Sie sich die Anmerkungen unten an, und vielleicht bekommen Sie einen Eindruck davon, wie ein Titel mit dem nächsten zusammenhängt – sei es durch die beteiligten Musiker, den historischen Kontext oder einfach nur die Stimmung. Aber das ist es. Wer tiefer in die Materie eintauchen möchte, dem stehen unzählige Bücher, Websites und Dokumentationen zur Verfügung. Aber vielleicht ist einfach der Genuss der Musik der erste Schritt.

Die Playlist „Jazz Appreciation Month 2021“ von GRAMMY.com ist hier über Spotify, Amazon Music und Apple Music verfügbar. Wenn Ihnen einer der folgenden Titel gefällt, klicken Sie auf den Albumtitel, um die Platte zu kaufen und sie oder ihren Nachlass direkt zu unterstützen.

In gewisser Weise ist dies der einzige Ausgangspunkt. Der größte Saxophonist aller Zeiten spielt ein improvisiertes Solo von atemberaubender Eleganz, Intelligenz und Integrität. „Es ist sowohl auf künstlerischer als auch auf technischer Ebene absolut perfekt“, sagte Altsaxophonist Jim Snidero 2020 gegenüber Discogs.

Der Altsaxophonist bekam schon früh Ärger, weil er zu sehr nach Parker klang, hat aber mit Meisterwerken wie „Blues Walk“ mehr als seinen eigenen Sound herausgearbeitet. Mit 94 ist Sweet Poppa Lou immer noch am Ball – und den Verbänden völlig ergeben. „Ich bin eine Kopie von Charlie Parker“, sagte er im selben Artikel.

Wer hat die schönste Version von „My Old Flame“ gespielt, die die Welt je gehört hat? Genau, Bird ist Ihr Mann – und der exquisite Jazzsänger Champian Fulton weiß das. Sie ist ein Fan von Donaldson und Parker; Ihr jüngstes Album „Birdsong“ ist eine leuchtende Hommage an Letzteres.

Nachdem Snidero und sein Quartett während der COVID-19-Pandemie monatelang keine Auftritte hatten, spielten sie sicher und mit Abstand in einem Jazz-Hotspot im Delaware Water Gap. Trotz des zurückhaltenden Setting und der Setlist an Standards zeigte er, dass Kastanien wie „My Old Flame“ und „Autumn Leaves“ immer noch neue Dimensionen zu erkunden haben.

Die Pianistin Helen Sung ist auf mindestens zwei Ebenen mit Snidero verbunden: Sie und der Bassist Peter Washington haben beide mit ihm gespielt. Es lohnt sich, Zeit mit ihrem gesamten Werk zu verbringen; „Sung With Words aus dem Jahr 2018 ist eine außergewöhnlich gelungene Verschmelzung von Jazz und Poesie.“

Täuschen Sie sich nicht: Das einzige Blue-Note-Album des Alt-Alts Cannonball ist ein absolutes Muss. „Ist es das, was du wolltest, Alfred?“ Sein Sideman Miles Davis knurrt den Produzenten Alfred Lion am Ende von „One For Daddy-O“ an. (Das war es sicherlich.)

Ähm, du willst dieses Album auch. Vertraue uns.

Jimmy Cobb, der uns 2020 leider verlassen hat, war der Schlagzeuger bei Kind of Blue, und man konnte seiner Ride-Becken-Hand eine Atomuhr stellen. Cobb spielt auch auf diesem Meisterwerk von Wes Montgomery. Obwohl Montgomery keine Noten lesen konnte und ausschließlich mit dem Daumen spielte, bleibt er wohl der König der Jazzgitarristen.

Eigentlich ist es entweder er oder Jim Hall. (Der stets ätherische Melodiker Evans ist ebenfalls im Rennen um den MVP von Kind of Blue.)

Lage spielte nicht nur mit Jim Hall; die Jazzwelt betrachtet ihn weithin als den Jim Hall unserer Generation. Nicht schlecht für einen 33-Jährigen.

Das Gitarrengenie hat wohl noch bessere Platten gemacht als Bright Size Life, aber als Einstieg in seine Herangehensweise und Denkweise gibt es nichts Besseres als sein Debüt bei ECM Records. (Am Bass: Jaco Pastorius!)

Ein weiterer Gitarrengott, der das langsam kriechende Meisterwerk seines Pianisten Duke Pearson spielt. Den Musikern war nicht klar, ob jeder Refrain 16 oder 32 Takte lang sein sollte, wodurch die Komposition wunderbar verwischt wurde. Die Ergebnisse sind ein Muss für Ihre nächste lange Fahrt und langes Nachdenken.

Oder: „Die Kunst des Bolero“ oder „Zwei Typen, die sich während des Lockdowns mit traditionellen Liedern beruhigen, die sie ihr ganzes Leben lang kennen.“ Trotz der zurückhaltenden Präsentation – es handelte sich um einen Livestream der Jazz Gallery, den der Altist und Pianist aufnehmen wollte – war dies eine der fesselndsten Duo-Aufnahmen der letzten Zeit.

ECM taucht aus einem bestimmten Grund auf; Wenn Sie mit dem äußerst produktiven Label nicht vertraut sind, besuchen Sie deren Website und finden Sie etwas mit einer Schneedecke oder Regentropfen auf den Fenstern als Abdeckung, und die Chancen stehen gut, dass es umwerfend schön ist. Und wenn wir gerade von herausragenden Duettalben sprechen, hier ist noch eines, zwischen dem in Tel Aviv geborenen Trompeter und dem israelisch-französischen Pianisten.

Wir dringen tiefer in das Reich des ECM vor: Alles, was dieser brillante Pianist geschaffen hat, ist es wert, mindestens einmal gehört zu werden. (Besonders das neueste Album seines Junk Magic-Projekts, Compass Confusion, das weder ECM noch Jazz ist, aber erschreckend ist.)

Der Harvard-Professor und Pianist untersucht die volatile Landschaft des Jahres 2021 mit der strahlenden Rhythmusgruppe der Bassistin Linda May Han Oh und dem Schlagzeuger Tyshawn Sorey. (GRAMMY.com nannte sowohl Oh als auch Sorey als Künstler, die den Jazz in die Zukunft treiben.)

Oh, einer der erstaunlichsten modernen Bassisten und Komponisten, schaffte es auf GRAMMY.com in die Liste der fünf Jazzkünstler, die diese Form in die Zukunft treiben. Das ist auch sie auf dem Iyer-Stück, zusammen mit dem Schlagzeuger und Komponisten Tyshawn Sorey.

Jeder sollte diesen brillanten Pianisten und Komponisten kennen; Iyer ist heutzutage möglicherweise die prominenteste Persönlichkeit, die für ihre Arbeit wirbt. (Er hat kürzlich eine wissenschaftliche Arbeit über Allen geschrieben; „Drummer's Song“ von Uneasy gehört ihr.)

In einer gerechten Welt würden wir regelmäßig den Namen von Mary Lou Williams zusammen mit dem von Ellington und Armstrong atmen und ihr mehrdimensionales Meisterwerk „Schwarzer Christus der Anden“ würde in den Schulen gelehrt werden.

In den letzten Jahren hat Coltrane eine völlig überfällige Neubewertung als künstlerische Ebenbürtige ihres Mannes John erfahren. Dennoch wurde offenbar nur ein Album in den Kanon aufgenommen: Journey in Satchidananda. Aber wie mehr als ein Dutzend Musiker GRAMMY.com im Jahr 2020 bestätigten, verdient auch Ptah einen Platz am Tisch.

Der Altsaxophonist Benjamin erkannte diese grundlegende Wahrheit über die Coltranes und schuf das gemeinschaftliche und andächtige Werk Pursuance: The Coltranes, das beiden Künstlern gleichermaßen huldigt. (Dies ist ein Lied von John, aber sie fand Alice vor ihm.)

Der gefeierte Trompeter Harrold taucht auf, um auf Benjamins Album zu jammen, und sein Album The Mugician ist ein großartiger Einstieg in die Crossover-Welt, in der Jazz, Rap und R&B verschwimmen.

Apropos Crossover: Kassa Overall ist eines der besten in diesem Bereich. Da ihm klar ist, dass Jazz und Rap eher ähnlich als unähnlich sind, beschließt er, sie nicht zu verwischen, sondern sie wie Autos zu zertrümmern, wohl wissend, dass die Trümmer gleich aussehen werden.

Dieser großartige Vibraphonist (der im vorherigen Overall-Stück zu hören war) steht im Jahr 2021 an vorderster Front der Szene. Schlafen Sie nicht mit ihm oder seinem eleganten letzten Album „Who Are You?“.

Wenn Sie jedoch wirklich in das Erbe des Jazz-Vibraphons eintauchen möchten, ist Bobby Hutcherson der erste Mann, der davon erfährt. Schauen Sie sich seinen Auftritt auf dem Altsaxophon-Schwergewicht „It's Time!“ von J-Mac an, das letztes Jahr über die Tone Poet Series von Blue Note eine hervorragende Auflage erhielt.

Hier ist er wieder und spielt Herbie Hancocks mitreißende Melodie mit Hancock selbst. (Hancock seinerseits ist einer der erfinderischsten harmonischen Denker des 20. und 21. Jahrhunderts.)

Der erstaunliche junge Pianist Joey Alexander lernte Hancock bei den GRAMMYs kennen, als er erst acht Jahre alt war. „Er hat nicht zu viel gesagt“, erinnerte er sich 2021 gegenüber GRAMMY.com. „Er dachte, ich könnte mitspielen und sagte: ‚Mach weiter‘ und ‚Hör nicht auf‘.“

Als exzellenter Altsaxophonist ist Shaw auf Alexanders vorheriger Single „SALT“ zu hören. „Ich war froh, dass Jaleel und [Gitarrist] Gilad [Hekselman] im Einklang spielten und so stark klangen“, staunte Alexander im selben Interview. „Als ich es zurück hörte, dachte ich ‚Wow‘.“

Auf einem Altsaxophon-Kick? Mahanthappa hat im Jahr 2021 einen der kühnsten, frechsten und lebendigsten Klänge auf dem Instrument.

Jetzt schalten wir auf das Soloklavier um; Shipp ist einer der erstaunlichsten modernen Improvisatoren auf diesem Gebiet. (Das Label, das The Piano Equation veröffentlicht hat, TAO Forms, ist eines der Labels von GRAMMY.com, die man im Jahr 2021 im Auge behalten sollte.)

Vor mehr als einem halben Jahrhundert spielte Monk an einer High School und ein Hausmeister nahm es auf. Niemand hörte die überwältigenden Ergebnisse bis Impulse! veröffentlichte sie im Jahr 2020.

Heutzutage dürfte der „Bebop“-Pionier Diz eher verehrt und analysiert als gehört werden. Aber er war zu allen Zeiten seines Lebens ein großartiger Trompeter – wie dieses Duo-Album mit dem Klavierriesen Oscar Peterson beweist.

Benötigen Sie weitere Beweise? Schauen Sie sich die liebevolle Hommage des überaus produktiven Douglas an den Clownprinzen des Jazz an.

Die Verbindung zum Douglas-Album ist der äußerst einfühlsame Schlagzeuger Joey Baron. Die Auftritte des dänischen Gitarristen Bro im Jazz Standard (bevor die Räumlichkeiten aufgrund von COVID geschlossen wurden) waren transformative Erlebnisse, wie auf dieser ECM-Aufnahme vom New Yorker Veranstaltungsort festgehalten.

Ehrlich gesagt fühlte es sich einfach richtig an, das Programm mit einer Salve von Toms in die Luft zu jagen.

Wir sind auf der Zielgeraden. Newk-Mord auf einer Niederlande-Tour.

„PC“ ist Bassist Paul Chambers, der uns zu jung verlassen hat. Das ist die Hintergrundgeschichte, die Sie brauchen. Drehen Sie das auf wie einen Led-Zeppelin-Song.

Ruhe in Macht für Peterson, einen wilden Schlagzeuger und Schatz eines Mannes, der uns im Jahr 2021 verlassen hat. Letztes Jahr fasste er seinen Mentor Art Blakey zusammen: „Er ist im blauen Teil der Flamme“, sagte Peterson gegenüber GRAMMY.com. „Die Sache ist: Wenn Sie etwas über Feuer wissen, ist der blaue Teil der Flamme vielleicht der unterste Teil der Flamme, aber er ist auch der heißeste Teil der Flamme.“

Jetzt drehen wir den Brenner herunter. „Ich werde es spielen, bis es nicht mehr nötig ist“, sagte Frisell in einer Erklärung zu dieser Bürgerrechtshymne.

Abspann.

Umgeben von bewegter Luft: 6 Big-Band-Komponisten treiben das Format voran

(LR) Kassa Overall, Ambrose Akinmusire, Tyshawn Sorey, Linda Oh, Nicole Mitchell

Nachricht

Tyshawn Sorey, Nicole Mitchell, Linda May Han Oh, Ambrose Akinmusire und Kassa Overall überschreiten das, was die Leute für die Grenzen des Jazz hielten

Seit das Wort „Jazz“ geprägt wurde – höchstwahrscheinlich von weißen Amerikanern zu Beginn des 20. Jahrhunderts – wehren sich Künstler dagegen. Charlie Parker und Dizzy Gillespie mochten die Bezeichnung überhaupt nicht und nannten ihr Angebot „moderne Musik“. Der Multi-Reedist Yusef Lateef verbrachte einmal eine ganze Vorlesung an der UCLA damit, das Wörterbuch darüber auf die Probe zu stellen. Wenn man Max Roach einen Jazzmusiker nannte, war es wahrscheinlich, dass es zu Auseinandersetzungen zwischen ihm kam. „Sie können dieses Wort haben“, erklärte John Coltrane 1962, „zusammen mit vielen anderen, die uns aufgedrängt wurden.“

Fast 60 Jahre später geht dieses „Aufdrängen“ unvermindert weiter – und Tyshawn Sorey hat damit mehr als genug.

Einige der Werke des Multiinstrumentalisten und Komponisten ähneln Jazz. Manchmal klingt es eher nach Klassik. Aber die Wahrheit ist, dass Sorey sich frei zwischen diesen Sphären bewegen kann – oder sie völlig ignorieren kann. „Etwas zu leugnen, das Teil meiner musikalischen Erfahrungen oder meiner Lebenserfahrungen ist, bedeutet völlige Unehrlichkeit gegenüber allem, was ich künstlerisch darlege“, sagt der Multiinstrumentalist und Komponist gegenüber GRAMMY.com. „Ich habe nicht das Gefühl, dass ich unbedingt in einem dieser Bereiche tätig sein muss, wenn ich Musik mache.“

Sorey ist nicht allein. Zugegeben, seine Kollegen, wie der Trompeter Ambrose Akinmusire, die Flötistin Nicole Mitchell, die Bassistin Linda May Han Oh und der Schlagzeuger-Rapper Kassa Overall, lehnen das Wort „Jazz“ nicht einheitlich ab. Aber wenn man versucht, ihre Visionen zu erfassen – avantgardistische Erkundungen, groß angelegte Kammermusikwerke, akrobatischer MC-Flow –, greift der Begriff zu kurz. Diese fünf Künstler beherrschen die Sprache, sodass sie sie nach ihrem Willen verbiegen – oder sie sogar vollständig mit anderen Sprachen befruchten können.

Zu Ehren des Jazz Appreciation Month, der am 1. April beginnt, können wir die Traditionalisten auf jeden Fall anerkennen und lieben – diejenigen, für die „Jazz“ keine Kleinigkeit ist. Gleichzeitig wollen wir diejenigen ehren, die diese Beschreibung sprengen und den Vorstoß der „modernen Musik“ im 21. Jahrhundert anführen.

Für diejenigen, die noch keine Ahnung von dieser Welt haben – oder fälschlicherweise glauben, die Fusion-Ära sei das Ende der Fahnenstange – hier sind fünf Künstler, die das Genre im Jahr 2021 vorantreiben.

Einen ebenso guten Einstieg in die Welt von Tyshawn Sorey erhalten Sie mit seinem Improvisationsset 2019 mit dem Gayageum-Spieler Do Yeon Kim am New England Conservatory. Darin spielt Sorey jeden Zentimeter des Kits, egal ob er mit seinen Händen die Snare-Teile manipuliert oder einen Stock über das Fell einer Trommel zieht.

Aber selbst in diesem „Out“-Format schürt Sorey keine Zwietracht; er macht das Gegenteil. „Es ist nicht so, dass er etwas Unordentliches macht“, sagte sein langjähriger kreativer Partner, der Pianist Vijay Iyer, kürzlich gegenüber GRAMMY.com. „Eigentlich schafft er mit allem, was er tut, Ordnung.“

Sorey stimmt zu. „Ich denke, seine Antwort ist insofern richtig, als dass jede Entscheidung, die ich treffe, eine kompositorische Entscheidung ist und von den Leuten beeinflusst wird, mit denen ich auftrete“, sagt er. „Es kommt einfach darauf an, wie viel Sorgfalt in die spontane Arbeit mit demjenigen gesteckt wird, mit dem man auftritt.“ Die Zahl der Musiker könne dabei von einem Duo bis zu 15 Musikern reichen, fügt er hinzu.

Als Schlagzeuger ist Sorey eine multidimensionale Kraft. „Mit Tyshawn zu spielen ist, als ob man auf der Bühne mit dem Meer steht“, sagte die Flötistin Claire Chase 2021 gegenüber der New York Times. „Man ist dort mit dem Meer und es ist ruhig, aber auch gefährlich und furchteinflößend.“ Aber er spielt seit Jahrzehnten auch Posaune und Klavier und komponiert für den Konzertsaal.

„Ich möchte etwas machen, das die Idee der Genremobilität zelebriert“, sagt Sorey. „Für mich gibt es keinen Jazzkomponisten oder auch nur klassische Komponisten. Die Leute haben einfach die Musik geschrieben, die sie geschrieben haben, und sie haben das Recht, sich darauf einzulassen und sie weiterzuverfolgen.“

Zu diesem Zweck treibt Sorey nicht nur den Jazz voran; er treibt alles Musikalisch voran. Gehen Sie ohne vorgefasste Einstellungen an sein Werk heran und Sie werden ein Meer dafür bekommen.

Drei Eingänge:

Das innere Spektrum der Variablen, 2016Verisimilitude, 2017Unfiltered, 2020

Die Flöte nimmt im Jazz einen etwas unbequemen Platz ein. Trotz seiner Bedeutung für die kubanische Musik und eine Reihe phänomenaler Flötisten des Genres – Herbie Mann, Hubert Laws, Rahsaan Roland Kirk – spielt es im Vergleich zu Saxophon und Trompete immer noch eine untergeordnete Rolle.

Flötenmeisterin Nicole Mitchell ist sich dieses Präzedenzfalls voll bewusst. Daher geht sie aus einem einzigartigen Blickwinkel an ihr Spiel heran und schätzt das persönliche Gefühl und die Zusammenarbeit in der Gruppe über alles.

„Mir gefällt der untere Bereich des Instruments – der sattere, dunklere, tiefere Bereich“, sagt Mitchell gegenüber GRAMMY.com. „Ich meine, ich kann virtuos spielen und alles, aber das steht für mich nicht so sehr im Mittelpunkt, wenn ich mit meinen Ensembles zu tun habe. Ich versuche, die ganze Bandbreite menschlicher Emotionen auszudrücken.“

Zu diesen Gruppen gehören das Black Earth Ensemble, das seit mehr als zwei Jahrzehnten schwarze Formen vom Swing bis zum Avantgarde-Jazz verbindet, und das Artifacts Trio, bei dem Mitchell sich mit Elektronik beschäftigt.

Wie sieht Mitchell zwanzig Jahre nach ihrem Debütalbum „Vision Quest“ den langen Bogen ihrer kreativen Entwicklung? „Ich habe Räume erkundet, die schwierig waren“, sagt sie. „Ich habe gelernt, das anzunehmen, was ich die Grenzen des Schönen nenne, und das Unbequeme anzunehmen, weil ich das Gefühl habe, dass wir in diesen Räumen die Möglichkeit zur Transformation haben.“

Aber ihre Arbeit sei, wie sie sagt, eine Hommage an die zeitgenössische afroamerikanische Kultur. Füllen Sie Mitchells Schaffen daher nicht in „Jazz“ ab, sondern hören Sie es als einen Anflug von Blackness in all seiner Mystik, Komplexität und Freude.

Drei Eingänge:

Afrika Rising, 2002Black Unstoppable, 2007Maroon Cloud, 2017

Linda May Han Oh kam 2008 mit „Entry“ auf den Markt, einem einzigartigen Eröffnungsstatement für eine Musikerin Anfang Zwanzig. „Das war zunächst mal ein mutiger Schritt für einen Bassisten, in diesem Alter ein Album als Leader aufzunehmen“, sagte Iyer. „Es gibt nicht so viele Platten, die aus Trompete, Bass und Schlagzeug bestehen.“

Das Format sollte nicht einfach dreist sein. Vielmehr handelte es sich lediglich um eine Dokumentation dessen, wo sich Ohs Kopf zu diesem Zeitpunkt befand – ein fotografischer Eintrag. „Ich wollte einfach etwas machen, das nicht alle Seiten von mir zeigt“, erklärt sie gegenüber GRAMMY.com. „Es war ein Dokument dessen, was damals da war.“

Von dieser Platte an, auf der der Trompeter Ambrose Akinmusire und der Schlagzeuger Obed Calvaire auftraten, erweiterte sich Ohs Wirkungsbereich dramatisch. Seitdem leitete sie ein Quartett (Sun Pictures 2013) und ein Quintett (Initial Here 2012) und nahm mit Schwergewichten vom Pianisten Florian Weber bis zum Gitarristen Pat Metheny auf.

Aber Oh ist nicht nur eine Kleingruppenleiterin oder eine Nebenfrau. Aventurin, ihr leuchtendes Kammerwerk aus dem Jahr 2019, ist ihr bisher monumentalstes Werk als vollwertige Komponistin. Was ist der rote Faden zwischen all ihrer Arbeit als Rückgrat so vieler Ensembles?

„Ich würde sagen, im Moment zu sein“, sagt sie. „Das hat oberste Priorität. Was auch immer der Moment erfordert, ist das Erste.“ Mit einer Litanei von Projekten am Horizont für 2021 und darüber hinaus – große Bands, kleine Bands, die Vertonung eines Dokumentarfilms – ist es klar, dass jetzt Oh's Moment gekommen ist.

Drei Eingänge:

Eintrag, 2008Walk Against Wind, 2017Aventurine, 2019

Die gemeinsame Linie im Jazz ist, dass er am Ende von John Coltranes Leben so „out“ wurde, wie es nur möglich war. Das ist reduktiv. Die Avantgarde hat nie aufgehört, fruchtbarer Boden zu sein, und Beweisstück A dieser Realität ist das Art Ensemble of Chicago – das die erste Live-Jazz-Sichtung des jungen Ambrose Akinmusire war.

„Das war mein Eindruck vom Jazz“, erzählt der GRAMMY-nominierte Trompeter aus Oakland, Kalifornien, GRAMMY.com über die grenzüberschreitende Gruppe, die Free Jazz mit Live-Performance-Kunst vermischte. „Und viele Leute in der Bay Area spielen mit Don Cherry und Joseph Jarman und so weiter. Ich glaube also, dass meine Tür ein wenig anders war als die der durchschnittlichen Person, die sich hinsetzt und etwas über Jazztheorie lernt.“

Als einer der überzeugendsten Trompeter der Welt betritt Akinmusire Neuland, indem er zunächst den sozialen Kontext berücksichtigt. „Meine Mentoren zeigten mir Aufzeichnungen“, erinnert er sich. „Sie sagten nicht: ‚Hey Mann, schau dir ‚Giant Steps‘ an, wegen dieser coolen Progression, die sich in großen Terzen bewegt. Es war eher so: ‚Er hat das in einer Zeit sozialer Unruhen gemacht.‘ Es war die Bedeutung hinter den Dingen.

Akinmusire ist neben seinem häufigen Mitarbeiter, dem Pianisten Jason Moran, einer von vielen ambitionierten Konzeptualisten auf seinem Gebiet. Aber seine sechs Alben als Leader – die meisten davon auf Blue Note – sind auch ohne Hintergrundgeschichte oder Erklärung spannend. Dieser klare, schmerzerfüllte, prägnante Ton wird Ihnen alles sagen, was Sie wissen müssen.

Drei Eingänge:

When The Heart Emerges Glistening, 2011A Rift in Decorum: Live at the Village Vanguard, 2017On the Tender Spot of Every Calloused Moment, 2020

Kassa Overall hat keine Lust mehr auf Interviews darüber, wie er rappen und Schlagzeug spielen kann. Die Vorstellung, dass es sich um zwei völlig unterschiedliche Dinge handelt, wird langsam etwas seltsam.

„Ich rede jetzt schon seit zwei Alben darüber“, erzählt der GRAMMY-nominierte Musiker GRAMMY.com mit einem Anflug von Erschöpfung. „Ich habe diesen Zyklus in meinem Kopf durchlaufen lassen. Ich versuche nicht mehr so ​​sehr zu beweisen, dass diese Dinge zusammenpassen oder nicht zusammenpassen können. Ich möchte einfach nur den dämlichsten Scheiß machen.“

Auf zwei Studioalben und zwei Mixtapes hat „Overall“ weniger Jazz und Hip-Hop vermischt, als vielmehr, dass sie wie Autos zerschmettert wurden. Er hofft, dass das daraus resultierende Durcheinander zeigen wird, dass die beiden Formen überhaupt nicht unähnlich sind.

„Ich denke, das ist das Geheimnis: Sie nicht wie einen Smoothie zu mixen, sondern wie eine Collage zusammenzufügen“, sagte er 2020 dem Tidal Magazine, als er über Kendrick Lamars „To Pimp a Butterfly“ sprach. „Sie stammen vom selben Baum ab, was ihre Herkunft angeht, nämlich die schwarze Musik in Amerika. Man muss sie nicht übermäßig vermischen. Das passt schon zusammen.“

Overall wird am Freitag SHADES OF FLU 2 veröffentlichen, seine neueste Collage aus Blue-Note-Samples und Boom-Bap-Beats. Er möchte sein Handwerk auch auf die Bühne bringen – was angesichts der Tatsache, dass Hip-Hop und Jazz zwei der aufregendsten Genres sind, die man live sehen kann, bedeuten könnte, dass er ein Live-Monster in seinen Händen hat.

Dennoch spielt Overall mit dem Gedanken, das aufzugeben, was er „das Jazz-Hip-Hop-Ding“ nennt.

„Es gibt so viele andere Musikformen, die wichtig sind, seien es andere afrikanische Genres aus anderen Ländern oder europäische klassische Musik oder was auch immer“, sagt Overall. „Vielleicht könnten wir von der Idee eines gleichmäßigen Genres abrücken, Rechts?"

Drei Eingänge:

Go Get Ice Cream And Listen To Jazz, 2019I Think I'm Good, 2020SHADES OF FLU, 2020

Vijay Iyer über sein neues Trio-Album „Uneasy“, amerikanische Identität und das Unterrichten schwarzer amerikanischer Musik im 21. Jahrhundert